Por Pilar Badillo Virués
Rubén Vázquez, artista visual que posee visión y una mente inquieta que le ayuda a explotar todos sus talentos. Desde niño recibió por parte de sus padres la libertad para explorar su entorno, dando apertura a cuestionarse y cuestionar a todos. Siempre quiso ver más allá de lo que tenía frente a sus ojos. Años más tarde lo diagnosticaron con hiperactividad. No estar tranquilo era parte de él y esta esencia se ha convertido en una de sus mayores fortalezas. Una profesora del Jardín de Niños le recomendó a sus papás ponerle actividades relacionadas al arte, ya que era visible que tenía desde esa edad aptitudes creativas. Su padre le compró un pequeño caballete de mesa, pinceles y pinturas. Rubén menciona: “en ese momento todo comenzó a tomar forma en mí”. Fue adquiriendo experiencia con el transcurso del tiempo, ganó concursos de dibujo en la secundaria y preparatoria. Él comenta que sus papás y amigos fueron el principal recurso para seguir mejorando, pero que la constancia y emoción por representar lo que le rodea son sus fieles acompañantes.
¿Cuáles y quiénes son tus influencias?
La lista sería interminable, hoy día son muchas las mentes brillantes que surgen y generan mis intereses en el arte. No tanto referentes visuales sino también de la literatura. Podría decir, haciendo un poco de memoria. que durante mi etapa en la secundaria hice un poco de grafiti. Siempre me causaba inquietud quiénes eran los artistas, sus propuestas pictóricas y en que se basaban, Me topé en algún momento con una revista a donde en la portada se veía hiperrealismo y vi un rostro enorme con un enfoque distinto que me fascino; el artista era Belin, artista del grafiti de Linares, España. Estudié lo más que pude de técnica, por lo que hasta la fecha sigo viendo su trabajo y es un referente visual importante para mí. Conforme mi evolución en las artes, los artistas que son un punto referente importante son Kenkuse koike: artista contemporáneo deconstructivo, kit King: otra artista plástica contemporánea y en la literatura (porque lo teórico es fundamental para el arte) es Jacques Derrida, Heidegger y Lacan, mentes brillantes que lideran con sus ideas a cualquiera que decida leerlos.
“Ninguna obra de arte es lo que es, todo depende desde que punto de vista se mire, los resultados nunca son los que se piensan”
Centrándonos en aspectos más específicos de tu práctica artística y en el proceso de investigación que llevas ¿Cómo nos explicarías la deconstrucción del arte? ¿Cuánto tiempo llevas trabajando en ello?
De manera simplificada, la deconstrucción se basa de lo que ya está creado y esto mismo se toma como base/referencia para crear o hacer algo a partir de ello. Teniendo en cuenta esto, lo retomo para generar un análisis dentro del proceso creativo de mis piezas, recreando imágenes, tomando una imagen y creando algo con estas mismas. Es una parte de la creatividad misma la que te hace reconstruir tus ideas. Toda idea que tengas en mente no va a ser la misma que ya materializaste. Lo que se encuentra entre tú y las imágenes es lo que va a hacer que cambie la materialización -la parte tangible de tus ideas, esa parte efímera del ser humano. Los pensamientos se ven envueltos en miles de posibilidades-. Otro ejemplo es la palabra “amor”, no es lo mismo pensarlo a decirlo. Ya que tiene un significado, se puede decir en un sinfín de idiomas, imágenes, sentimientos y personalidades. Por todo esto es por donde tiene que pasar la idea de amor antes de decirla, eso es un proceso deconstructivo. Los filtros y cambios que se suscitan durante el proceso, el arte es esto. El juego de posibilidades que se tienen para interpretar y reinterpretar mil y una veces el entorno.
Tengo poco aplicando esto en mi proceso, aunque este ya está instaurado en nuestros procesos; solo falta hacerlo nuestro. En mi caso lo descubrí en mi búsqueda de tendencias literarias, en mi estudio teórico acerca de cómo funciona la filosofía o teorías filosóficas en el arte. Es ahí donde me di cuenta. Por mucho llevo estudiando este término dos años, ya que es parte de mi proyecto de titulación.
¿Por qué llamarle a la exposición “Entre la idea y la imagen”? ¿Cómo fue el proceso creativo de esta?
Entre la idea y la imagen, nace de la necesidad de ver qué pasa en mi proceso creativo, qué pasa cuando analizo de más las imágenes, qué pasa por mi cabeza cuando quiero hacer una imagen tangible, qué es lo que sucede en medio de estos procesos, en procesos tan cotidianos. Es instar al público a pensar más acerca de lo que ven, hacer reflexivo al público y perderlos en mi obra al tratar de indagar quiénes son los personajes que están en el marco, preguntarse cuál es el material, dudar si es o no es lo que piensan. Todo pensamiento es la iniciativa a la palabra y esa palabra es el diálogo que tienen con otros. Este diálogo va a ser compartido en algún momento con otras personas y este es el proceso deconstructivo, compartir ideas de algo con otros, las cuales son partículas de lo que fue la pieza que observaron.
Mi proceso creativo es simple, es observar, analizar y llevar esto a ver lo que pasa. Cuál es el resultado de aquello que quiero, qué materiales, técnicas, modos y métodos puedo utilizar. Es la libertad misma enredándose en las ramas de los aprendizajes, sujetando aquello que cree que es lo “ideal”. Ninguna obra de arte es lo que es, todo depende desde que punto de vista se mire, los resultados nunca son los que se piensan.
“La sociedad es el punto clave para que el arte exista, ya que nosotros mismos conformamos los movimientos políticos, ideales, cambios en el entorno, etc. Somos el resultado de un efecto mariposa en alguna obra famosa”
¿Cuáles son los límites y márgenes que identificas al posicionarte como espectador al visualizar las obras?
Para el espectador no debe de haber límites ni márgenes para observar o ser parte de la obra, creo que el arte contemporáneo otorga la libertad de ser parte de la obra misma. El mercado del arte hace posible el tener una obra en casa por una módica cantidad, el arte no es para politizarlo. No debe de haber normas ni leyes para ver ni ser parte de ella, el arte es de todo y para todos. La sociedad es el punto clave para que el arte exista, ya que nosotros mismos conformamos los movimientos políticos, ideales, cambios en el entorno, etc. Somos el resultado de un efecto mariposa en alguna obra famosa.
El artista debería de salir de su burbuja, donde su obra es intangible y solo la debe de ver cierto público, tiene copyright, es invaluable si en tanto la mano del hombre no la afecte. La obra es transformable físicamente y como referente visual y también es copiable ya que puede formar parte de un contexto el cual amerite esa acción. El arte tiene una función importante en el medio y entorno donde se encuentre, se escucha muy socialista el asunto. Sin embargo, el arte es social.
¿Cómo permitirnos derribar estas limitaciones? ¿Estaríamos hablando de una concepción más pura de visualización del arte?
Los limites, como cualquier otro, son creados a partir de ideas distintas a otras. El punto social a donde te encuentres va a tener sus propias limitantes. Ejemplo, cuando se piensa que una persona de la calle no puede entrar a la galería de alto prestigio. Esas son las limitantes que ponen los dueños burgueses. Esto debe cambiar y siempre se ha buscado los cambios de ideales. Sin embargo, las ideas que hay en él son naturales. Como un ser humano es normal maravillarte con lo que la vida misma te hace pensar e imaginar. Aún más importante es ver las ideas de los otros y maravillarte con lo que él puede hacer y que lo hace diferente a ti de cierta forma. La sorpresa es algo que hemos perdido con el paso de los años, ya nada es asombroso ni deslumbra. Caímos en la simplicidad y cotidianidad hueca, ya no hay innovación, más que repetición. Aunque esta ayuda a visualizar que en el fondo del ser humano aún deslumbra esa iniciática de generar el cambio. Así que el cambio de las limitaciones ante el arte debe de ir cambiando en uno mismo, para que este comience a ser parte de un pensamiento más libre.
¿Nos resulta inherente visualizar y analizar? ¿Porqué?
El visualizar y analizar es parte del proceso analítico de cualquier ser pensante, podemos ver la decadencia de estos con el paso del tiempo gracias a sus “innovaciones” lingüísticas, tanto en la palabra como en las imágenes. Debemos entender que ver y mirar son dos conceptos diferentes uno del otro. El ver es echar un vistazo a algo rápido, como cuando vas en el autobús y ves por la ventana un espectacular. Se queda una imagen guardada en tu consiente, esto es parte de la estrategia del Marketing. Así llegan al público de una manera más rápida y directa. Por otro lado, tenemos el mirar: este es el fomento para los que somos curiosos, es el buscar detalles, ir más allá de la imagen. Esto es más analítico y diverso, ya que, retomando el ejemplo del autobús, el espectacular cambia si se ve desde la calle cuando vas caminando o te quedas en una banca y te quedas viendo aquello que está enfrente de ti. Las perspectivas son diversas, esto abre camino a la diversidad del pensamiento que habita en cada uno desde el aprendizaje personal. Un diseñador va a ver detalles de composición, técnica, paleta de color, tipografía, materiales, etc.
Hoy en día nos resulta complejo hacer este tipo de ejercicios. Como el ver, en el cual recae el visualizar y por ende analizar aquello que están al frente nuestro. Todo es rápido nada es apreciativo, por eso el campo del arte conceptual se acrecienta, ya que este te elimina la parte sustancial de la obra la cual es llevar a la practica un análisis y reflexión de esta. Ahora ya tienes un texto que te describe la obra en sí, entre más discurso tenga la imagen mucho mejor y más minimalista se vuelve. El arte es fundamentalmente esencial, vive de su esencia misma, de lo que puede transmitir, de lo que puede llegar a ser y de lo que es como tal. Los limites que existen hoy día dentro del arte son más desapegados del ser y más material. La materia, lo terrenal, está evitando el contacto con lo metafísico, el yo con mi pensamiento.
¿Cómo va a cambiar la manera de interactuar entre arte y espectador por el COVID y qué retos supone para una galería y los propios artistas?
No existen los cambios, solo adaptaciones. La tecnología nos ayuda, es una herramienta que funciona y que es esencial para esta época de no contacto. La internet nos acercó a todo aquello que desconocíamos, nos genera una idea de lo que puede ser lo físico, De nosotros los artistas depende el utilizar estas herramientas para poder sobrellevar esta etapa para acercarse más a su público o al mundo en general.
Existen espacios en línea donde se puede visitar exposiciones, entrar a subastas, estudiar el arte, etc. Es una nueva era, pero no hay que olvidar que esos elementos solo son la herramienta (la computadora y la internet). Hay que sacar el mayor provecho de estas y quien dice que estos tiempos nos pueda ayudar a que se revolucione nuestra era y lograr más de lo que tenemos, todo es una posibilidad. Todo es posible, solo falta dejar de mirar para ver el futuro.
Un placer compartir la pasión por el arte. Les dejo las redes sociales de Rubén Vázquez para que compartan sus obras y todo lo que produce. Actualmente pueden visualizar algunas de sus obras de la exposición “Entre la idea y la imagen” en Café Badillo, ubicada en la 2da de Melchor Ocampo no.75-2. Col. Centro de Coatepec.
Nos leemos en el siguiente Argumentum Cultural desde Agendamx.
Facebook: Ruben Vazquez / MALA CARA TATTO
Instagram: @rubenvazquez23 / @jh268834
